Beatriz Alonso Aranzábal

Beatriz Alonso Aranzábal (1964-2026)
Procedencia: Madrid
Grupos: Monaguillosh

Triste noticia la del fallecimiento de Beatriz Alonso Aranzábal a los 62 años de edad, víctima de un tumor cerebral al que no pudo vencer.

Gran entusiasta de lo que fue la movida madrileña y su entorno, y muy activa en diferentes grupos de redes sociales, su vinculación con aquel movimiento fue más allá de figurar en los créditos de un pequeño grupo llamado Monaguillosh que, a pesar de eso, quedó en la memoria colectiva de los que vivieron el momento, bien como músicos, bien como artistas, bien como público en general.

Monaguillosh comienza a agruparse en Madrid en 1977, partiendo de unos parámetros estéticos y musicales muy cercanos a los propios del revival mod. De este modo puede decirse sin miedo a equívocos que, en un principio, fue uno de los primeros grupos de la nueva ola madrileña. No obstante, la banda evolucionó pronto hacia una oscura psicodélia que acabaría por enmarcarles dentro de la denominada 'onda siniestra' junto a otras formaciones capitalinas de la época como Décima Víctima, los primeros Gabinete Caligari o La Fundación, influenciados por bandas británicas del momento como The Cure o Siouxie & The Banshees. Supieron alzarse pronto como una de las propuestas más originales -y efímeras- del genero 'oscuro' en España.

Beatriz no formó parte de aquellos inicios del grupo puesto que entró en 1982, tras varios cambios de la formación inicial.. Fue en ese momento cuando Monaguillosh lanzó los dos discos que acreditaban su valor musical y que alcanzaron un notable prestigio en la crítica musical de aquel entonces: el Ep 'Voces en la jungla' y el single 'Prisma de ágatas'. Ambos publicados en 1983, ambos por el sello de Óscar Ruz Dos Rombos, ambos con Beatriz Alonso Aranzábal a los teclados. No en vano fueron invitados a los programas punteros de aquel primer lustro de los ochenta: 'La Edad de Oro' de Paloma Chamorro, 'Caja de Ritmos' de Carlos Tena o 'Musical Express' de Ángel Casas. Sin olvidar sus apariciones en el mítico Rock-Ola.

Al margen del aspecto musical, Alonso fue psicóloga clínica, escritora, guionista, traductora y documentalista y nada mejor que las palabras de Javier San Vicente, administrador del grupo de Facebook 'Rock-Ola , Madrid 1980-85' para describir el carácter personal de Beatriz:

"Hasta el final, siempre entusiasta, alegre, generosa, buena gente, compartiendo sus tesoros de su agenda diario reflejando su actividad vital y musical de los primeros 80s, que marcaron su idea de documentar la Movida con su documental "De Un Tiempo Libre A Esta Parte" (2015) donde se propuso rescatar del olvido y reivindicar el papel de los músicos menos visibles de la Movida."

En el ámbito literario, Beatriz Alonso dejó dos libros publicados: 'La vida es una palabra muy corta' (Editorial Nazarí, 2014) y 'Demuestre que es humano (Me dijo una máquina)' (Libros del aire, 2022). Además sus microrrelatos han sido incluidos en diferentes antologías: 'Relatos en Cadena 2007-2008' (Alfaguara 2008); 'Relatos en Cadena 2008-2009' (Alfaguara 2009); 'Relatos en Cadena 2009-2010' (Alfaguara 2010); 'Mar de Pirañas' (Menoscuarto 2012) o 'De Antología' (Talentura, 2013). Dejó pendiente la publicación de una novela que, de momento, queda inédita.

Esta misma tarde, en el Tanatorio de San Isidro de Madrid, se le despedirá a partir de las 17:00 h.

Nuestras más sentidas condolencias a familiares y amigos. Descanse en paz, Beatriz Alonso Aranzábal.

[Redacción Nuevaola80. Pedro J. Pérez]

Rafael Amador

Rafael Amador Fernández (1960-2026)
Procedencia: Sevilla
Grupos: Veneno, Pata Negra

Rafael Amador, guitarrista, compositor y cantaor sevillano, ha fallecido a los 66 años dejando un vacío irreparable en la música española. El artista, nacido en 1960 en Sevilla, fue uno de los arquitectos de la revolución musical que fusionó el flamenco con el rock y el blues, un estilo que él mismo denominó junto a sus compañeros como "blueslería". Su muerte se produjo el pasado domingo, 8 de febrero.

El nombre de Rafael Amador quedó ligado para siempre a Pata Negra, el grupo que formó junto a su hermano Raimundo Amador y que revolucionó la escena musical española de los años 80. Su trayectoria artística también estuvo vinculada a Kiko Veneno y a diversos proyectos que marcaron un punto de ruptura en la música andaluza. La capacidad compositiva de Rafael y su habilidad para reinterpretar sus propias canciones en directo le convirtieron en una figura de culto para varias generaciones de músicos.

En 1977, Rafael Amador, su hermano Raimundo y Kiko Veneno crearon el grupo Veneno, un proyecto musical adelantado a su tiempo. El grupo publicó un único disco que no recibió el reconocimiento esperado ni de la crítica especializada ni del público general. La razón principal fue la incomprensión ante una propuesta que mezclaba flamenco con la instrumentación típica de un grupo de rock: batería, bajo y guitarra eléctrica. Aquella apuesta rompedora resultaba demasiado atrevida para la época.

Tras la disolución de Veneno, los tres músicos no abandonaron su vocación innovadora. Participaron en distintos proyectos colaborativos, destacando especialmente su contribución al álbum 'La leyenda del tiempo' (1979), de Camarón de la Isla. Aquella experiencia consolidó la visión de Rafael sobre las posibilidades de fusionar el cante jondo con sonoridades contemporáneas, una intuición que desarrollaría plenamente con Pata Negra.

En 1978, apenas un año después del experimento con Veneno, los hermanos Amador pusieron en marcha Pata Negra, un proyecto que marcaría definitivamente la historia de la música española. A diferencia de su anterior banda, en esta nueva etapa los temas eran compuestos íntegramente por ellos mismos, lo que les otorgó mayor libertad creativa. Gran parte del repertorio salió de la mente de Rafael Amador, quien demostró una extraordinaria capacidad para crear canciones que conjugaban raíces flamencas con estructuras del blues y el rock.

El reconocimiento masivo llegó con trabajos discográficos como 'Guitarras callejeras' (1985), un álbum que comenzó a situarles en el mapa musical nacional. Sin embargo, fue 'Blues de la Frontera' (1987) el trabajo que les catapultó definitivamente a la fama. Canciones como 'Camarón', 'Lunático' o 'Pasa la vida' se convirtieron en himnos generacionales que sonaban tanto en las radios comerciales como en los círculos más underground. La crítica musical reconoció finalmente lo que el público ya sabía: que Pata Negra representaba una nueva forma de entender el flamenco.

Ese mismo año de 1987, los hermanos Amador grabaron junto a Cathy Claret el disco '¿Por qué, por qué?', un trabajo que ha alcanzado el estatus de obra de culto entre los aficionados al nuevo flamenco. La colaboración con la artista francesa añadió nuevos matices a un sonido que ya de por sí resultaba ecléctico y difícil de clasificar.

El éxito trajo consigo una etapa oscura marcada por los excesos y las adicciones hasta que la situación se volvió insostenible y provocó que Raimundo decidiera abandonar el proyecto que los hermanos habían construido juntos. Antes de la separación definitiva, Pata Negra ofreció un último concierto memorable en la sala Zeleste de Barcelona en 1989.

Aquel concierto de despedida quedó registrado en el álbum 'El Directo', un testimonio sonoro que incluye interpretaciones de algunos de sus temas más conocidos. Entre ellos destaca 'La Muchachita', original de Veneno, que cerraba simbólicamente un círculo iniciado más de una década atrás. El directo capturó la intensidad y la pasión que los hermanos Amador imprimían a sus actuaciones en vivo.

Tras la marcha de su hermano, Rafael Amador decidió continuar en solitario bajo el nombre de Pata Negra, una decisión que algunos interpretaron como un intento de mantener viva la llama del proyecto original. Publicó dos discos durante esta etapa: 'Inspiración y locura' (1990) y 'Como una vara verde' (1995). Ambos trabajos se caracterizaron por un carácter marcadamente personal e introspectivo.

Después de un periodo apartado de la música, Rafael Amador regresó a los escenarios dispuesto a recuperar su lugar en la música española. En esta reaparición retomó el repertorio clásico de Pata Negra, interpretando aquellos temas que habían marcado a toda una generación de seguidores. Para esta nueva etapa contó con la colaboración de Navajita Plateá, quien aportó su propia visión flamenca al proyecto.

En su última intervención de estudio documentada, Rafael Amador apoyó y colaboró con el grupo Nea Flamenco Experimental en el maxisingle 'Flamenco Experimental'. Allí grabó el tema 'La plaza' y participó activamente en las ideas de arreglos de guitarra y en la concepción musical de los bajos en cuatro canciones. Esta colaboración demostró que, pese a los años y las dificultades, su creatividad musical permanecía intacta.

[Fuente: diariodesevilla.es]

Jorge García

Jorge García Antolinos (1957-2026)
Procedencia: Murcia
Grupos: Acequia, Trotacarreteras, Bus Stop Band

Jorge García Antolinos, el que fuera bajista del mítico grupo murciano de rock, Acequia, falleció ayer, 4 de febrero de 2026.

Acequia se formó en 1977, constituyendo el auténtico germen del rock de la Región de Murcia. Aparte de Jorge, también tomó parte su hermano, Raúl García en la batería, y gente tan importante como Emilio Chicheri, al micro, y los guitarristas Pepe Moreno y Santiago Campillo. Ganaron la primera edición del Murcia Joven y publicaron un single como resultado del premio obtenido, 'El Trotacarreteras / Rock de la Platería'.

Jorge continuó en la onda de Emilio Chicheri en proyectos posteriores como Trotacarreteras y otros. En 2007 se reagrupa Acequia con Emilio, Pepe Moreno, Jorge y Raúl, más la incorporación del excelente guitarrista Chema Iborra. Después de 30 años desde la edición de aquel único single, lo hicieron con disco nuevo bajo el brazo, 'La fuerza del Rock'.

Durante los últimos años, Jorge estuvo tocando a dúo con Germán Ramallo, un irreductible motero que lleva el blues en su Adn. Fueron conocidos como Bus Stop, realizando numerosos conciertos por toda la región, siempre en clave de blues. Remarcar que en 2023 asistieron al Festival de Blues de Cazorla, como Stop Bus Band. Chema Espejo, Pepe Hatman, Ignacio Galera o Mingo Balaguer han sido algunos músicos con los que Jorge ha coincidido sobre el escenario en diferentes ocasiones.

Muy querido por su entorno, han sido numerosas las manifestaciones de dolor y reconocimiento que han ido apareciendo en redes sociales. Según su amigo Javier Costas, era "un hombre tranquilo y culto que llevaba el blues y el rock en las venas". Por su parte, Emilio Chicheri dejó estas emotivas palabras en su recuerdo: " Un nudo en la garganta apenas me deja respirar..., y es que Jorge García Antolinos, nuestro bajista, se acaba de ir a las estrellas. Vuela alto, Jorge, con todo mi amor y el de Acequia. Ya no volveremos a sonar igual sin ti". Chema Espejo también lo despidió así: "Otra gran persona y excelente músico se nos va. Buen viaje Jorge García Antolinos...".

Descanse en paz, Jorge García. Nuestras condolencias a amigos y familiares.

[Redacción Nuevaola80. Pedro J. Pérez]

Remigi Palmero

Remigi Palmero i Ruà (1950-2026)
Procedencia: Valencia
Grupos: Els Brots, Robersons, Els Cinc Xiqs, Els Pavesos, In Fraganti, en solitario

Ha muerto en Alginet Remigi Palmero (1950), músico, compositor y una de las figuras más singulares, influyentes y difíciles de clasificar de la historia del pop valenciano. Su fallecimiento pone fin a una trayectoria breve en lo discográfico pero decisiva en lo cultural: Palmero fue pionero del rock en valenciano desde finales de los años sesenta con Els 5 Xics y, más tarde, uno de los fundadores del llamado rock mediterráneo, junto a Pep Laguarda y Julio Bustamante.

Su muerte deja un vacío profundo en la música valenciana. Remigi Palmero fue pionero, fundador y referencia, desde Els 5 Xics hasta el rock mediterráneo, y uno de los primeros en demostrar que el valenciano podía sonar moderno, corporal, mestizo y popular sin pedir legitimación política ni académica. Su legado, concentrado en unos pocos discos, sigue siendo esencial para entender la historia del pop hecho desde València.

Si el pop y el rock valencianos —y en valenciano— tienen un disco de culto indiscutible, ese es 'Humitat relativa'. Grabado en 1978 en los históricos estudios Tabalet, dirigidos por Lluís Miquel Campos, y publicado un año después por el sello Pu-Put! (filial barcelonesa de Zafiro), el álbum forma, junto a 'Brossa d’ahir' de Pep Laguarda i Tapineria (1977) y 'Cambrers' de Julio Bustamante (1981), una especie de triunvirato fundacional del rock mediterráneo hecho desde València. “Es tan intenso, tanta es su luz y tanto el calor que irradia, que escucharlo es como mirar al sol con los ojos abiertos”, escribió el periodista Juan Puchades sobre el disco.

En el momento de su publicación apenas se vendieron unos cientos de copias. Sin embargo, con el paso del tiempo 'Humitat relativa' se consolidó como uno de los álbumes más influyentes del pop estatal, gracias a una mezcla inédita de folk, rock, jazz y funk con sonoridades latinas, africanas y flamencas; una reivindicación explícita del paisaje y la cultura propios; y un uso del valenciano deliberadamente alejado del marco político de la Nova Cançó. Ese enfoque lo convirtió en referencia para artistas posteriores como Òscar Briz, Antònia Font, Manel, Arthur Caravan, Els Jóvens o Sénior i el Cor Brutal.

Mucho antes de 'Humitat relativa', Remigi Palmero ya había sido un pionero. Su carrera comenzó a finales de los años sesenta cuando, con apenas diecisiete años, se incorporó como guitarrista y cantante a Els 5 Xics, una de las primeras bandas que hicieron pop y rock en valenciano desde parámetros plenamente populares. Procedentes del circuito de verbenas, clubes y salas de baile, Els 5 Xics fueron un grupo masivamente activo, con actuaciones constantes por cientos de municipios valencianos y fuera de este territorio, y grabaciones para sellos como Emi-Regal o Unic.

Ese origen marcaría para siempre la manera de entender la música de Palmero. Él mismo siempre hizo gala de su condición de músico “no universitario”, formado en el directo, en el baile y en la cultura popular. En una entrevista concedida a Rockdelux en 2015 explicaba que ese bagaje lo distanciaba de los presupuestos intelectuales de artistas como Raimon u Ovidi Montllor: “Los veía diferentes a mí. Y en esa diferencia empecé a concebir hacer un pop en catalán… normal, por decirlo de alguna manera”. Ese deseo de hacer un pop “normal” en lengua propia, sin solemnidad ni vocación doctrinal, está en el origen de todo su proyecto artístico posterior.

Tras la disolución de Els 5 Xics durante su etapa en el servicio militar, Palmero empezó a registrar ideas que acabarían cristalizando en 'Humitat relativa'. A su regreso, se integró en la bohemia musical valenciana de finales de los setenta junto a Pep Laguarda, Tico Balanzà y Julio Bustamante, con quienes compartía la voluntad de construir una música de raíces, abierta al mestizaje y alejada tanto del folk ortodoxo como del rock anglosajón mimético.

Grabado en el verano de 1978, 'Humitat relativa' fue un disco radicalmente adelantado a su tiempo. Contó con músicos africanos —los hermanos Louis y Pepe Dougan, junto a otros instrumentistas de Guinea Ecuatorial— y se convirtió en el primer álbum del pop español en incorporar músicos africanos en una grabación, dando forma a una amalgama sonora que unía África y València, el Mediterráneo y la psicodelia, el funk y el flamenco. La versión aflamencada del poema de Estellés 'Plens de sol de bon matí' es una de sus muestras más claras.

Para Palmero, el disco era una respuesta directa a la Nova Cançó, a la que consideraba “plana y aburrida”. “Queríamos que la música fuera más sensual y menos politizada, y demostrar que el valenciano tenía una sonoridad perfecta para el pop o el funki”, explicaba. Defendía el carácter apolítico del álbum y rechazaba la politización de la lengua: “Siempre he creído que politizar la lengua es sinónimo de poca cultura”.

Pese a su estatus mítico, Palmero nunca se sintió del todo cómodo con 'Humitat relativa'. Consideraba que el disco se publicó a partir de premezclas inacabadas, tras una decisión unilateral del sello. Por ello mantuvo una relación tensa con las reediciones posteriores, incluida la realizada en 2018 por el sello La Casa Calba, de la que se desvinculó. “Yo quería algo más, depurarlo, revisitarlo. Han tenido miedo y no han arriesgado”, afirmó entonces, lamentando que no se hubiera ido más allá del respeto arqueológico al original.

Aun así, reconocía el valor central del álbum como manifestó de la cultura mestiza. “Su mensaje más importante es la multinacionalidad y el multiculturalismo, y eso sigue vigente”, sostenía, vinculándolo a una tradición valenciana amplia que iba de Concha Piquer a Bruno Lomas.

Tras 'Humitat relativa', Palmero publicó cuatro discos más entre finales de los ochenta y principios de los noventa: 'Provisions', 'Afuera adentro', 'Emparín', y 'Línia de foc'. Años más tarde, en 2009, ve la luz 'Sense comentaris,', una especie de recopilatorio sólo con su voz y guitarra. Desarrolló junto a Bustamante y Balanzà el proyecto In Fraganti, que en los años ochenta ofreció un directo largo, transgresor y multilingüe. A partir de los años noventa fue retirándose progresivamente de la escena y regresó a Alginet, donde cuidó de su madre y llevó una vida dedicada también a la pintura, el yoga y la reflexión creativa.

[Fuente: Voro Contreras para levante-emv.com -Enlace original-. Foto: Daniel García Sala]

Álvaro Lamas

Álvaro Miguel Lamas Gómez (1950-2026)
Procedencia: La Coruña
Grupos: Los Limones, Terminal Norte, Los Eternos

Ha fallecido, este viernes 11 de enero de 2026 de madrugada, Álvaro Lamas, uno de los músicos más importantes y carismáticos nacido en Ferrol. En lugar de redactar el típico obituario biográfico, rescatamos las palabras que ha vertido en redes sociales el periodista y escritor Fernando Fernández Rego, una de las firmas más autorizadas del panorama musical gallego.

"Esta mañana falleció Alvarito Lamas, uno de los mejores músicos que ha dado nuestro país. Una persona excepcional que siempre estuvo ahí para los demás con una sonrisa. Maestro para varias generaciones de músicos ferrolanos y merecedor del mayor reconocimiento.

Alvarito fue el introductor de la guitarra de acero en España. Su guitarra aparece en álbumes de Los Secretos, Dinamita Pá Los Pollos... fue en gran medida responsable del sonido de Los Limones, con quienes alcanzó el éxito y el número 1 en Los 40 Principales. También dejó huella en canciones como el himno "Ferrol", ganó el concurso de maquetas de Rockdelux con la banda ferrolana Terminal Norte, ayudó a consolidar el sonido de Los Eternos... son muchísimos sus logros.

Azúcar, Os Microns en el 78, actuando en cabarets en Holanda, en Berlín... por toda Europa. Trabajábamos en una compañía que también transportaba barcos de pasajeros, los llamaban "os nordicos", y tocábamos todas las noches de Estocolmo a Helsinki. Había mucho hielo en el mar; recuerdo haber ido muchas veces con un rompehielos delante... Conseguí la steel guitar mientras vivía en Pontevedra. Tocaba en una orquesta allí, en América, y fui a una tienda de música. Eran los 80. La vi en un catálogo y les dije que la pidieran, pero el dependiente ni siquiera sabía qué era. Le dije que la pidiera de todas formas. Tuve que esperar unos meses; era una Fender, la primera que tuve. Me la llevé a casa y empecé a darle vueltas. Por aquel entonces solo conocía a otra persona que la tocaba, Alfredo Berlanga, en Madrid, que también las fabrica y es quien mejor las arregla. No aparece en la música pop y rock española hasta que la presento, porque la gente pensaba que era solo para country... ¡y sirve para todo! Me lo dijo Alvarito en “Unha Historia da Música en Galicia 1952-2018” (Galaxia).

Hasta siempre amigo."

Descanse en paz, Álvaro Lamas.

[Fuente: Fernando Fernández Rego]

Antonio Smash

Antonio Samuel Rodríguez (1952-2026)
Procedencia: Sevilla
Grupos: Smash, Lole y Manuel, Silvio y Luzbel, Pata Negra, Kiko Veneno

La noticia de la muerte de Antonio Samuel Rodríguez, Antonio Smash, de 72 años, ha caído como un mazazo en la historia viva del rock andaluz. Batería fundador del mítico grupo Smash, pieza clave en el nacimiento y desarrollo de nuestro incipiente rock, su figura atraviesa varias décadas de música, riesgo y libertad creativa. Su forma de tocar —orgánica, abierta, profundamente influida por el blues, la psicodelia y el pulso afroamericano— ayudó a construir un lenguaje nuevo cuando Andalucía empezaba a mirarse en el espejo del rock sin complejos.

Más allá de Smash, Antonio fue un músico esencial en proyectos y colaboraciones que hoy forman parte del ADN musical de la región. Integrante de Silvio y Luzbel, vinculado a Pata Negra, colaborador habitual de Kiko Veneno, Lole y Manuel y otros muchos artistas, fue siempre un creador inquieto, generoso y respetado. En Silvio y Luzbel, su presencia es fundamental, aunque un accidente le impidiera grabar la batería en el disco de Al este del Edén, sí que aparece en la mítica portada de aquel álbum, convertida con el paso del tiempo en un símbolo de toda una generación. Tras la reciente muerte de Pedro G. Mauricio, se comentaba con melancolía que Antonio era ya el último superviviente de aquella fotografía.

El golpe resulta aún más doloroso por su cercanía. El pasado viernes por la noche, apenas dos días antes de su fallecimiento, participó en el homenaje a Pedro junto a amigos y compañeros, tocando la guitarra y cantando King of the Hill de Roger McGuinn —dejando una vez más constancia de su exquisito gusto musical— y sentándose también a la batería, el instrumento por el que será eternamente recordado. Ahora quedan esos recuerdos recientes, casi intactos, y la certeza de que con Antonio Smash se va mucho más que un músico, se apaga una forma de entender la música, la amistad y el rock en Andalucía.

[Fuente: José Miguel Carrasco para diariodesevilla.es -Enlace original-. Foto: Raúl Doblado]

Christian Llull

Christian Volker Llull (1962-2025)
Procedencia: Mallorca
Grupos: Pillastres, MAC, Ramonikos

Ha fallecido Christian Llull, pieza clave del punk-rock en Mallorca, tras luchar contra una enfermedad que al final no pudo superar. Nacido en Manacor en 1962, fue miembro de MAC, editando un disco histórico que contenía los temas 'En dissabte' y 'Es marxe'. El disco fue el premio por haber ganado un concurso que organizaba el Hotel Don Jaime.

MAC surgía tras la escisión de Pillastres, el anterior combo de Llull (voz), donde se agrupaba junto a Joan Sureda (guitarra), Esteve Huguet (guitarra), Guillem Pou (bajo) y Antoni Nicolau (batería). El mítico single se publicaba en 1980 bajo el sello Maller, constituyendo el primer plástico de la nueva ola mallorquina.

La aventura no duró mucho más. En 1981 toman diferentes caminos, pero de MAC surgirían nuevas bandas en la isla como Peponne con Huguet y Nicolau o, por otra parte, Guía del Ocio con Pou al frente.

Christian Volker Llull marchó a Estados Unidos donde se formó como piloto de aviones, su gran pasión. Durante su trayectoria profesional no solo transportó pasajeros, sino que acumuló una amplia experiencia que lo llevó, por ejemplo, a apagar incendios en California, pilotar aviones-ambulancia o conducir jets privados. Hace unos años cambió los mandos de cabina por el pilotaje de drones desde tierra.

En la actualidad se estaba barajando la posibilidad de reeditar aquel viejo sencillo a raíz de la mezcla que hizo Toni Reynés que verá la luz a través de Matalàs Records. Según declaraciones del propio Llull en una entrevista concedida al diario de Mallorca en septiembre de este mismo año: "Aún no sabemos si haremos un maxi o será en formato pequeño de 45 rpm. De todas formas será a través de un crowdfunding". Seguro que pronto se verá cumplido ese sueño aunque a Christian ya no le de tiempo a verlo.

DEP Christian Llull.

[Redacción Nuevaola80. Pedro J. Pérez]

José Manuel Ordás

José Manuel Ordás Miguélez (¿?-2025)
Procedencia: León
Grupos: Los Contrastes, Los Ángeles del Infierno, Resurrección, Tarfaya, Los Cardiacos, DNA, Los Propensos, Principio de Alzheimer

Para muchos su nombre quizá no sea tan conocido, pero sí que lo era su música. Sus acordes, los de sus grupos, han retumbado por todo León dejando una legión de fieles que ahora sí le recordarán con memoria y luto.

Ha fallecido José Manuel Ordás Miguélez, conocido como Manúx, “uno de los guitarristas eléctricos leoneses pioneros de las primeras músicas modernas y muy querido por quienes le conocimos y tratamos”, según ha publicado Jesús García en redes sociales. Su trayectoria, iniciada en 1966, marcó la historia del pop y rock en León y su provincia.

Autodidacta, inquieto y generoso, Manúx comenzó su carrera con Los Contrastes, grupo que fundó en 1966. Tras su disolución, parte de la banda dio origen a Generación 2000, mientras que Manúx fundó Los Ángeles del Infierno, formación clave que evolucionó hasta consolidarse como cuarteto y más tarde transformarse en Resurrección.

Jesús García recuerda que, junto a Velasco, 'Nori' y 'Chiqui', emprendieron “una transformación profunda de su repertorio, alejándose de las canciones previsibles de las listas de éxitos para especializarse con versiones de los grandes del rock”, convirtiéndose en un grupo atracción y explorando nuevos escenarios y públicos.

Durante su etapa con Resurrección, Manúx vivió una fructífera estancia en la provincia de Orense, actuando en salas, discotecas y hoteles de la capital, con actuaciones veraniegas en el Camping de Leiro que “consolidaron su prestigio en la zona”, relata García.

Tras pasos por Generación 2000 y Tarfaya, Manúx se unió a la primera formación de Los Cardíacos, grupo emblemático de la música popular leonesa. Allí tocó el bajo, mientras Enrique Jiménez y Juan Carlos Suárez asumían las guitarras. Jesús García subraya que Manúx “contribuyó de forma decisiva a su consolidación y éxito a nivel nacional”, no solo como intérprete, sino también controlando sonido, iluminación y logística en giras y festivales.

Nunca abandonó la música en directo y continuó tocando en formaciones como DNA, Los Propensos y Principio de Alzhéimer, su última banda. En junio de 2006, Generación 2000 se reunió para un histórico concierto en el patio de la Diputación Provincial de León, reavivando la memoria de aquellos años dorados.

León despide a Manúx, “un músico imprescindible y un compañero querido. Era uno de los nuestros”, concluye Jesús García. Su legado permanece en los escenarios, grabaciones y sobre todo en la memoria de quienes compartieron con él la pasión por la música y en quienes, sin saberlo, eran fieles e incondicionales seguidores.

[Fuente: Alfonso F. Reca para heraldodeleon.es -Enlace original-]

Paco García (2)

Francisco García (1952-2025)
Procedencia: Asturias
Grupos: Eva Rock, Coz

Paco García, batería que formó parte de la formación clásica de Coz y uno de los músicos de estudio más solicitados de España, ha fallecido hoy 16 de diciembre de 2025 en Madrid a los 72 años.

Nacido en Oviedo en diciembre de 1952, Paco se trasladó con su familia a León siendo niño, donde inició sus estudios musicales en el Conservatorio Municipal. Su carrera profesional arrancó en Salamanca con Eva Rock, trío con el que participó en el histórico festival de rock de Burgos en el verano de 1975, considerado el primer macro-festival de rock en España, compartiendo cartel con Iceberg, Burning, Companyia Elèctrica Dharma, Hilario Camacho y otros nombres fundamentales de la escena de la época.

Tras su etapa salmantina, Paco se estableció en Madrid, donde se incorporó a Coz junto a los hermanos Armando y Carlos de Castro y Tony Urbano. Con esta formación participó en "Rocktiembre 78", concierto recogido en la película Nos va la marcha, considerada la primera película española de rock. También pasó por La Orquesta Mondragón, Teddy Bautista y Pedro Ruy Blas, entre otros proyectos.

Pero fue como músico de sesión donde Paco García dejó una huella imborrable. Con más de 200 discos grabados, su batería acompañó a prácticamente toda la élite de la música española: Serrat, Sabina, Rocío Jurado, Paloma San Basilio, Isabel Pantoja, Rocío Dúrcal, Martirio, Ismael Serrano, Malú, Pablo Milanés, Carlos Cano, María Dolores Pradera o Los Sabandeños, entre muchos otros. También colaboró con artistas internacionales como Diana Ross, Gilbert Bécaud y María Creuza. En directo, fue parte del musical de Sabina Más de cien mentiras y de producciones de la Gran Vía madrileña como Pretty Woman, Los Puentes de Madison o Hoy no me puedo levantar.

Como artista en solitario, grabó junto a Julio Blasco los discos de jazz-fusión Clínica Tubú y Toma ese puñal dorao —este último con Carmen Linares como invitada—, y publicó sus trabajos propios Paco García ZENKO, con composiciones suyas y de su hijo, el pianista Daniel García Diego, y Golpe Vacío, una propuesta audiovisual que exploraba las posibilidades melódicas y armónicas de la batería.

Fue imagen de marcas como Yamaha, Paiste, Mapex, Shure y Remo, y desarrolló una importante labor pedagógica con un sistema propio de enseñanza de la batería".

[Fuente. Batacas.com]

Robe Iniesta

Roberto Iniesta Ojea (1962-2025)
Procedencia: Cáceres
Grupos: Dosis Letal, Extremoduro

Robe Iniesta ha muerto. Y lo ha hecho de forma tan inesperada que cuesta enfrentarse hoy a cualquier texto sobre él. Poco antes de las cuatro de la madrugada el manager del músico extremeño enviaba un texto a este periodista: “Nuestro Robe ha fallecido. Estamos rotos”. Todavía no se saben las causas del fallecimiento. Tenía 63 años. Hace un año el cantante suspendió de manera indefinida sus últimos conciertos en Madrid tras diagnosticarle “un tromboembolismo pulmonar”.

La última vez que Iniesta fue entrevistado en EL PAÍS, en mayo de 2024, cuando presentaba su imponente último disco, Se nos lleva el aire, la charla finalizó así:

P. Dígame si estos son los cálculos que maneja: después de esta gira de 2024 estará dos años desaparecido y luego 12 meses para componer. En la próxima gira, entonces, tendrá 66 o 67 años.

R. Uf. No sé si será esa edad, pero que en la próxima gira voy a tener muchos años, pues sí. Y, encima, algunos años de joven me cuentan como los años de perro [risas]. Así que en 2027 tendré ciento y pico años.

La trascendencia de Iniesta en la música española es gigantesca. Un caso inédito: alguien que viniendo de rock agreste fue conquistando terrenos hasta convertirse en un clásico respetado por todo el mundo. Sus letras, primero de exaltación marginal en la incipiente etapa con Extremoduro y después de una profunda carga filosófica, se encuentran entre lo mejor del rock español.

“Hoy despedimos al último gran filósofo, al último gran humanista y literato contemporáneo de lengua hispana, y al cantante cuyas melodías han conseguido estremecer a generaciones y generaciones”, expone el escrito de su representante. Desde primera hora de esta mañana cientos de mensajes están despidiendo al músico extremeño.

Hace unos meses Robe todavía seguía de “mala leche” por la suspensión de los conciertos de Madrid por el trombo pulmonar. En su cabeza tenía retomar los recitales para cerrar la que él calificó como “la mejor gira de mi vida”.

“Hoy despedimos al maestro de maestros. Y es que, es unánime, todo el que ha tenido la suerte de trabajar con Robe, después de hacerlo, reconoce ser mucho mejor profesional, y mucho mejor persona. Muy tristes por esta pronta despedida, pero igualmente agradecidos, a más no poder, de haber recibido un tesoro en forma de legado para seguir el camino que nos queda en la vida”, señala el comunicado de Dromedario Records que ha anunciado su fallecimiento.

El éxito de Extremoduro pilló a contrapié a la industria musical. Fue un fenómeno que se fraguó en la calle, a base de conciertos y con el empuje de la gente, que veía a Iniesta como el cantor de la marginalidad. Aquí no existía un soporte promocional. Fue una conquista calle por calle, garito por garito. “Rock transgresivo”, lo definió el propio grupo. Robe consiguió el dinero para grabar su primer disco con una versión callejera del crowdfunding: vendía papeletas a los colegas por 1.000 pesetas a cambio del disco… cuando estuviera hecho. Lo grabó, entregó el álbum a sus creyentes y, a partir de ahí, todo fue en ascenso.

Canciones como 'Jesucristo García', 'La hoguera' o 'Extremaydura', contenidas en el primer disco de Extremoduro (1989), mostraban a un letrista que dibujaba retratos de tipos a los que el sistema les había dado la espalda y las acompañaba de música combativa que ligaba con el rock callejero español de la escuela de Leño. “Estuve cuatro años por ahí dando tumbos. Pero tumbos auténticos. Iba con mi bulldog ‘Angelito’ de ciudad en ciudad. A veces dormía en casas de colegas y otras nos buscábamos la vida”. Así definió el músico sus primeros años.

Pronto empieza la llamada etapa del caos, en los primeros noventa. Conciertos descontrolados, letras de canciones que se olvidan, perros en el escenario, demasiado alcohol y sustancias. El grupo viaja incluso con un camello. Su legado musical se va ampliando, con discos grabados con poco presupuesto, pero las canciones comienzan a tatuarse en la piel de los aficionados: Tu corazón, Deltoya, Ama, ama, ama y ensancha el alma (con letra del poeta de bar Manolo Chinato), Sin Dios ni amo... Robe cultiva su perfil indómito y paralelamente comienza a leer poesía. Su escritura gana en profundidad.

En su camino se cruza Iñaki Uoho Antón, miembro de Platero y Tú. Ambos grupos se reconocen y ven que juntos pueden comandar un movimiento, el resurgir del rock urbano. Protagonizan varias giras juntos donde ya llenan pabellones. Uoho pasa a formar parte de Extremoduro y con su llegada el grupo se profesionaliza, su sonido mejora, sus discos se graban en condiciones. 'Agila' (1996) supone un cambio total en Extremoduro: un disco de canciones soberbias, con las mejores letras de Iniesta y la cuidada producción de Uoho. Uno de sus sencillos, So payaso, vive en los primeros puestos de la lista de Los40, prueba clara de que Extremoduro ya ha conquistado a todo el mundo.

Robe había tenido un par de sustos con las sustancias y a finales de los noventa decide bajar el ritmo. Regresa con su pareja, de la que se había separado y con la que comparte dos hijos, y dosifica las drogas. “Dejé la heroína mucho antes de empezar con Extremoduro… Le eché cojones y la dejé solo. Mucha gente está empeñada en decir que soy yonqui, pero no es verdad. Solo me pongo… lo normal. La droga no es mala. Los malos son los hombres y sus acciones. Es como si pegas un tiro a alguien y le echas la culpa a la bala”, dijo a este periódico.

En esta época, Robe se entrega a la poesía y a la literatura de forma desordenada y compulsiva, Su paleta va desde los autores underground que encuentra en los bares (Sor Kampana, Chinato…) a las referencias clásicas (Machado, Neruda, Miguel Hernández…). Después de 'Agila' Extremoduro publicó cinco discos, todos relevantes, sobre todo La ley innata (2008), donde comienza a convertir su escritura en tratados filosóficos.

El final de Extremoduro llega con el distanciamiento entre Robe e Iñaki. Aquello que comenzaron como una fiesta creativa se ha convertido en una empresa. Grandes giras, presupuestos amplios, mucho que organizar, reuniones con abogados... Esta logística supera a los dos amigos y su relación se rompe. la última gira de Extremoduro se la llevó la pandemia. Robe prefiere centrarse en su carrera en solitario, que había comenzado en 2015 con Lo que aletea en nuestras cabezas, y la gira de Extremoduro queda aparcada definitivamente.

[Fuente; Carlos Marcos para elpais.com -Enlace original- Foto: César Vallejo]

Jorge Ilegal

Jorge María Martínez García (1955-2025)
Procedencia: Asturias
Grupos: Madson, Los Metálicos, Ilegales, Jorge Ilegal y Los Magníficos

Se ha muerto Jorge Martínez (Jorge "Ilegales", Jorjón) y el rock español acaba de perder a su último titán, uno de los pocos guitarristas y cantantes de su generación que seguía en activo a sus setenta años. Este año había publicado "Joven y arrogante", decimotercer album de estudio de la banda asturiana "Ilegales", que lideraba desde los años ochenta. En septiembre tuvo que interrumpir la gira de presentación al habérsele detectado un cáncer. Ha fallecido en el Hospital Central de Asturias, donde esta ingresado desde hace días.

Nacido en Avilés el uno de mayo de 1955, hijo de un secretario judicial perteneciente a una familia con antecedentes nobiliarios, Jorge Martínez fue un niño curioso y peleón. Descubrió con solo tres años las imposturas de la vida cuando se percató de que las ranas de la fuente del Campo San Francisco eran de metal. También vivió amores infantiles que luego se colarían en sus canciones y, por encima de todo, descubrió el rock vía Elvis, "Los Beatles" y "Los Bravos". Le gustaba contar su estancia en un centro para niños-problema, su servicio militar, sus traslados siguiendo los destinos de su padre y, finalmente, su establecimiento en el Gijón de finales de los setenta. Aunque llegó a iniciarse en la Facultad de Derecho, la música ya le había convertido en un profesional. Con el carné de circo y variedades que obtuvo en los bajos del teatro Filarmónica se inició en el mundo de las orquestas de la mano de Manolo Carrizo y su conjunto y allí encontró su "chitlin circuit" (el circuito donde se entrenaron todos los músicos del blues y el soul en Estados Unidos en los 60).

Apasionado tanto por "Sex Pistols" como por "Attractions" o "Police", Jorge Martínez quiso subirse muy pronto a la new wave y ensayó sus primeras canciones, muchas de las que luego aparecerían en los primeros discos de "Ilegales" con "Madson" o "Los Metálicos". Aunque en esas bandas, donde también estaba su hermano Juan Martínez (que luego formaría "Los Ruidos"), coqueteó con sonidos más lisérgicos, Jorge Martínez reduce la formación al trío básico de rock con David Alonso a la batería, que ya había estado en sus primeras bandas, y con Íñigo Ayestarán al bajo. Es esa formación la que sale vencedora de la Primera Muestra de Pop Rock de Asturias en 1982, teniendo la oportunidad de grabar tres canciones en un album colectivo. Registran en Estudios Norte, con Pedro Bastarrica y René de Coupeaud, que durante los ochenta serían sus productores de referencia, tres canciones son himnos en la historia del rock español: "La fiesta", "Princesa equivocada" y "Europa ha muerto". De forma muy rápida, discos Arrebato les graba ese mismo año el single con "Revuelta juvenil en Mongolia" y "La pasta en la mano", otro golpe directo al estómago de un rock urgente, violento, con letras igual de afiladas y precisas. El disco "Ilegales", su debut, no tardaría en llegar, ese mismo año, aunque con una peripecia discográfica rocambolesca que le hizo pasar de la CBS a la Fonográfica Asturiana y que rescató e hizo posible, finalmente, el apoyo decidido de Víctor Manuel, en 1983.

El aterrizaje de "Ilegales" en la escena de La Movida de los ochenta fue una bomba. Hubo episodios luego muy repetidos de peleas en el Rock Ola y una sonido que dejó a todo el mundo asombrado. "¡Eran unos salvajes!", celebraba el crítico musical Jesús Ordovás. Para su nuevo disco, "Agotados de esperar el fin", intentaron un sonido más matizado, lo grabaron en Madrid y, aunque la banda no quedó a gusto, prosiguió su camino triunfal, ahora ya con Willy Vijande al bajo (reincorporado en los últimos años a la formación actual tras el fallecimiento de Alejandro Espina) en sustitución de Íñigo Ayestarán. En 1985 regresan a los estudios de Bastarrica y De Coupeaud para registrar "Todos están muertos", album que cierra la trilogía inicial de la banda.

El recorrido posterior de la banda trajo un disco en directo, cambios en la formación (la entrada de Rafa Kas al bajo en 1990 y la anterior de Alfonso Lantero a la batería) y un sonido con los nuevos matices de los teclados (Tolo de la fuente) y el saxo (Juan Flores). A esta época pertenecen los discos "Chicos pálidos para la máquina" (1988) y "(A la luz o a la sombra) Todo está permitido" (1990), con canciones tan emblemáticas como "Ángel exterminador", del primero, o "Canción obscena" y "Me gusta cómo hueles", del segundo.

Los años noventa incidieron en ese sonido en ocasiones más rhythm'n'bluesero, como en "Regreso al sexo quimicamente puro" (1992) y luego definieron una de las formaciones más estables de la banda, con la entrada de Alejandro Espina al bajo, que siguió tocando con Jorge Martínez hasta su inesperado fallecimiento en 2016 y de Jaime Beláustegui a la batería, hoy todavía en la formación. Depués de discos como "El corazón es una animal extraño" y "El apóstol de la lujuria", la banda se hace un homenaje con el directo "El día que cumplimos 20 año". El inicio de los años 2.000 trajo una nueva revisión del canon de "Ilegales" con el disco "126 canciones de Ilegales" y una gira de despedida que llevó a Jorge Martínez a anunciar el fin del proyecto para abordar, con casi los mismos músicos, un peculiar homenaje a las orquestas clásicas con J. M. y los magníficos. No duró mucho. En 2014 anunció el regreso de su proyecto principal y en estos últimos diez años ha estado sacando discos, girando como nunca por España y Latinoamérica y presentando el documental sobre su trayectoria "Mi vida entre las hormigas".

Genio y figura, Jorge Martínez fabricaba y coleccionaba soldaditos de plomo, se refugiaba en el palacio familiar de Bolgues y amaba las guitarras. Su vida fue el rock y la poesía. Deja una colección ingente de canciones y una forma de estar el mundo y encima del escenario inigualable.

[Fuente: Chus Neira para lne.es -Enlace original-]

Pedro Moreno

Pedro Moreno (¿?-2025)
Procedencia: Madrid
Grupos: Cerebrum, Arkham, Banana, MK2, Salvador Domínguez

Pedro Moreno, batería del grupo madrileño Cerebrum, ha fallecido, dejando huérfano al conjunto y una herida crónica en el rock progresivo español. También formó parte de otros conjuntos como Arkham, Banana y la banda del guitarrista Salvador Domínguez, quien ha sido el encargado de dar a conocer esta triste noticia.

"Lamento informaros de la inesperada partida de mi viejo amigo y compañero Pedro Moreno, baterista de Cerebrum, Arkham, Banana MK2 y miembro de mi banda de 1977 y 1978, con la que participó en la grabación de mi primer álbum solista y en las giras La Noche Roja y La Rock and Gira, que nos llevaron por toda España. Mi más sentido pésame a su familia, amigos y seguidores.
Pd: Pedro era también un formidable baterista de jazz y durante los años 1970 y 1980 tocó asiduamente en Balboa Jazz y Whisky Jazz, principales templos madrileños de dicho estilo. Asimismo, fue percusionista en la Orquesta Nacional de España. ROCK in PEACE, brother !!!" Salvador Domínguez.

Cerebrum fueron unos de los pioneros del rock progresivo español. En 1968 interpretaban versiones de bandas del calibre de Ten Years After, Cream o Canned Heat, además de temas propios. Originalmente, el cuarteto estaba formado por Javier Esteve (guitarra), Luis Navarro (cantante y armónica), Chema Pellico (bajo) y Fernando Artalejo a la batería. Sin embargo, Artalejo tuvo que abandonar la agrupación para hacer el servicio militar (algo muy habitual en aquella época) y fue entonces cuando entró en la banda Pedro Moreno.

La formación sufrió varias variaciones, como la salida de Chema Pellico, que se trasladó a Ibiza para formar parte del grupo Ibiza Sound, o la de Luis Navarro, que decidió abandonar la música definitivamente. Por ello, llegaron nuevas incorporaciones como la del organista Manolo Marinelli, el egipcio Dick Zappala como bajista y cantante, y Salvador Domínguez a la guitarra.

Pedro Moreno participó además en el disco ‘Taquicardia’ de Vainica Doble, y continuó su carrera como percusionista de la Orquesta Nacional de España hasta su jubilación. También fue músico de estudio y batería de jazz. Durante los años setenta y ochenta tocó en el Balboa Jazz y el Whisky Jazz, considerados auténticos templos madrileños del género.

El que fuera su compañero de banda, el ya mencionado José María Romero Pellico, más conocido como Chema Pellico, falleció a los 78 años el 20 de diciembre de 2024.

[Fuente: Alfonso Herreros para mariskalrock.com]

Manolo Molero

Manuel Molero (1956-2025)
Procedencia: Valencia
Profesión: Librería cómics

Manolo Molero, propietario de la librería especializada en cómics Futurama, ha fallecido hoy en València, según han informado sus compañeros de esta tienda cuyo origen se remonta a un pequeño kiosco especializado en tebeos abierto a principios de los 80 en Velluters. Sus restos estarán en el tanatorio municipal de València mañana a partir de las 11:00 horas y la cremación será a las 17:00.

Futurama es una de las librerías más antiguas de València y el gran templo del cómic en la ciudad. En 2007 recibió el premio a la labor de los libreros de la Consellería de Cultura de la Generalitat Valenciana y en 2015 el Premio a la labor de los libreros. Pero, sobre todo, Molero será recordado por haber contribuido al desarrollo de la escena del cómic en València, ayudando a dar visibilidad a autores locales, fanzines, y a la “nueva escuela valenciana”.

Situada en la calle Guillem de Castro, en pleno centro de la ciudad junto al Museu Valencià de la Il·lustració i la Modernitat (MuVIM), Futurama ha conseguido en sus más de cuatro décadas de historia imponerse en la escena de los aficionados al género gracias al trabajo de Molero y de sus compañeros Vicente Izquierdo «Capi» y José Rodríguez «Molongui» . La oferta de la tienda, no sólo en literatura sino en mercadotecnia y demás productos vinculados con la cultura popular, ha hecho de Futurama la «supertienda» de cómics de la ciudad.

Molero aprovechó una indemnización laboral para montar, en 1981, una pequeña tienda de tebeos en Velluters, el "barrio chino" de Valencia. Intentaba así volcar comercialmente en ella su frustrada carrera como dibujante de historietas.

"En València no había ninguna tienda de cómics. En Barcelona había una, y creo que en Madrid también. Ahora, Futurama es la segunda tienda de tebeos más antigua de España", confesaba en 2016 con orgullo para reivindicar la tradición que siempre ha habido en esta ciudad con el mundo de la historieta, especialmente en las décadas de los 50, 60 y 70 tanto con editoriales como con dibujantes

El recibimiento a su pequeña tienda fue tan bueno que en 1986 dio el salto a la céntrica calle de Guillem de Castro, con más espacio no solo para tebeos sino para iniciar un auténtico museo del coleccionismo, tanto del mundo del cómic como de los juguetes y su parafernalia, especialmente en unos años donde aún no existía internet y conseguir esos objetos de deseo era toda una odisea.

[Fuente: Voro Contreras para Levante -Enlace original-. Foto: Kai Fosterling]

Pedro Munster

Pedro Muñoz Rivas, Pedro Munster (1962-2025)
Procedencia: Madrid
Profesión: Dj, Coleccionista

Pedro Munster ha muerto en Madrid a los 63 años, ayer miércoles 22 de octubre. Vecino de la calle de Santa Brígida, habitual del café Pepe Botella, DJ de la noche malasañera, residente en el Morocco cuando lo regentaba Alaska, fiel amigo de la mítica cantante y su pareja, Mario Vaquerizo. Muchas vidas con un escenario común: Malasaña.

Por eso Pedro Munster tuvo que nacer un 2 de mayo. No era, claro, el de 1808, sino el de 1962. Pero esa fecha fue motivo de orgullo a lo largo de toda su vida. La de una figura ecléctica que tuvo siempre una constante en Malasaña. Ese barrio oficioso del centro de Madrid donde rutina y excepcionalidad transcurren en una plaza cuyo nombre, desde hoy, no honra solo al levantamiento del pueblo de Madrid contra los franceses. Es también memoria de un hombre que representó como nadie el espíritu de sus calles y sus bares.

Aníbal J. Clar, coautor con Munster de Eduardo Benavente. El genio detrás de la cortina (biografía del icónico líder de Parálisis Permanente), atiende la llamada de "Somos Malasaña" después de conocer la “inesperada” noticia y a una semana de un concierto homenaje a Benavente en la sala El Sol. Traslada unas palabras “sin tener nada escrito, pero mucho mejor, porque así sale el sentimiento y Pedro Munster era mucho sentimiento”. Desde su punto de vista, “se va uno de los principales referentes en el underground madrileño”. Para Clar, Munster “vivió la Movida madrileña como un personaje principal, todo lo que aquello representó estaba reflejado en él”. Y añade: “Aquellos sitios que empezaban a abrir, como La Vía Láctea o el Penta, no solo los frecuentaba, sino que formaban parte de su vida”.

Una relación que empezó cuando un amigo del cuartel en el que completaba el servicio militar le puso una canción de Alaska y los Pegamoides: “Pedro me contó que cuando lo escuchó le pareció la leche. Se interesó tanto en aquel grupo que llegó a ser un Pegamoide más sin ser Pegamoide, incluso el principal. Alaska le decía que cuando él no estuviera se quedarían sin pasado. Su trabajo era siempre impecable”, recuerda Aníbal.

Muy activo en redes sociales (la cuenta de Pedro en Instagram cuenta los seguidores por miles), Aníbal recalca que en él esa modernidad convivía con el interés por atesorar el pasado: “Tenía un archivo en su casa increíble, tanto físico como virtual, que dudo mucho que otra persona pueda igualar en lo referente a ese tiempo. Originales en vinilo de todos los discos de Pegamoides, Radio Futura, La Mode, Derribos Arias... Todo lo que quisieras”. Aníbal J. Clar menciona una frase habitual de Munster que da cuenta de cómo su su propia memoria también permanecerá en el futuro entre sus amigos y sus vecinos del barrio, tan presente como la Dos de Mayo: “Yo soy más moderno que pasado mañana”.

Pedro Munster era, es y será puro Malasaña. Por eso Aníbal no lo duda: “Estará en el cielo o dónde la providencia haya querido llevarle. Pero tenglo claro que tendrá al lado a Eduardo Benavente, Enrique Sierra, Carlos Berlanga y tantas personas que marcharon antes que él guardándole un gran aprecio”.

[Fuente: Guillermo Hormigo para eldiario.es -Enlace original-]